SEGUNDA PARTE - TRABAJO DE INVESTIGACIÓN
INTRODUCCION
En esta segunda parte del trabajo de investigación nos centraremos en desarrollar el programa de varios de los festivales de los que hemos hablado con anterioridad y en diferentes arquitectos y colectivos que están desarrollando propuestas en espacios públicos urbanos.
CONCENTRICO
Concéntrico es el Festival Internacional de Arquitectura y Diseño de Logroño, abierto a todos los ciudadanos y visitantes, que propone descubrir y redescubrir los espacios de interés del Centro Histórico de la ciudad. El festival invita a recorrer estos lugares mediante instalaciones que crean una conexión entre patios interiores, espacios ocultos y plazas que habitualmente pasan desapercibidas en el día a día
Concéntrico 03 from Concéntrico on Vimeo.
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Cada instalación está creada por equipos de arquitectos y/o diseñadores que proponen, experimentan y exploran nuevos campos del diseño del entorno. De esta forma, se establece un diálogo entre el patrimonio y la arquitectura contemporánea que busca activar la reflexión de los ciudadanos sobre los espacios.
El festival está organizado por la Fundación Cultural de los Arquitectos de La Rioja (FCAR) junto con Javier Peña Ibáñez, promotor de la iniciativa, en colaboración con el Ayuntamiento de Logroño, Garnica y el Centro de Diseño Integral del Gobierno de La Rioja. Cuenta con el apoyo de la Escuela Superior de Diseño de La Rioja (Esdir), Bodegas LAN, Goethe Institut e Institut français.
El Festival de Arquitectura y Diseño de Logroño. Pretende llamar la atención de riojanos y visitantes sobre la ciudad que no ven, proponiéndoles que dejen guiar su mirada por la de arquitectos y diseñadores que les invitarán a reflexionar sobre las transformaciones del espacio urbano y sobre espacios ocultos y pequeñas plazas que habitualmente pasan desapercibidas. Estos artistas desarrollarán intervenciones en distintas ubicaciones de la ciudad.
Es la presentación al público de instalaciones creadas por equipos de arquitectos y diseñadores que proponen, reflexionan, experimentan y exploran nuevos campos del diseño del entorno. De esta forma, el festival les ofrece la posibilidad de realizar una intervención en el corazón de la ciudad, estableciendo un diálogo entre el patrimonio y la arquitectura contemporánea que active la reflexión de los ciudadanos sobre los espacios de la ciudad.
El objetivo que tiene es contribuir a la mejora de la ciudad desde la experiencia y profesionalidad de expertos en arquitectura y diseño.
Espacios:
Existen dos categorías de espacio dentro del festival. Por un lado tenemos 3 espacios que salen a concurso: la Plaza de San Bartolomé, Viña Lanciano y la Plaza de Escuelas Trevijano. Estos tres espacios están enmarcados en un concurso a nivel internacional y una serie de espacios que son adjudicados a diferentes diseñadores y arquitectos como son el Claustro de Santiago, Casa Farias, la Plaza del Parlamento, el Patio de la Biblioteca de La Rioja, el Calado de San Gregorio o el patio del COAR.
Estos espacios generalmente suelen estar cerrados al público por lo que gracias a Concentrico se puede disfrutar de ellos porque son espacios muy interesantes de nuestra ciudad que no estamos acostumbrados a ver.
Concéntrico propone descubrir y redescubrir los espacios de interés de la ciudad y ahora también de su entorno.
GUILLERMO SANTOMÁ
Guillermo Santomá es un diseñador que vive y trabaja en Barcelona. Nació en 1984 y, tras recibir el título de Máster en Diseño en ELISAVA, Santomá adquirió especial relevancia tras transformar totalmente la Casa Horta, una intervención arquitectónica y artística en una casa tradicional de Horta de principios del siglo XX.
Santomá se sitúa entre la arquitectura y el diseño y crea ambientes para que su trabajo actúe.
Como tantos arquitectos de su generación, Guillermo Santomà aborda la arquitectura sin prejuicios, como un formato más: mobiliario, escenografías, casas e instalaciones se entrecruzan en busca de una calculada inmediatez.
Santomà es autor de proyectos que referencia actual de la arquitectura, el diseño industrial e interiores, como Mam Originals Store, Casa Horta y la agencia Keenfolks.
SERPENTINE GALLERY
Serpentine Gallery es una galería de arte de Lóndres, situada en los Kensington Gardens, en Hyde Park. Sus exposiciones se centran en el arte moderno y contemporáneo. Sus exposiciones, actividades relacionadas con la arquitectura, la educación y sus programas públicos atraen a unos 750 000 visitantes cada año (favorecido este hecho porque la entrada a la galería es gratuita).
Fue inaugurada en el aсo 1970, en el edificio de una antigua casa de tй de 1934 situada junto al lago Serpentine, del que recibe su nombre.
Fue creada por el Consejo de las Artes de Gran Bretaña y durante los primeros aсos las exposiciones se limitaron a los meses de verano. En 1991, Julia Peyton-Jones fue nombrada Directora, promoviendo una gran reforma en la galería. En el aсo 2006, Hans Ulrich Obrist fue nombrado co-director de Exposiciones y Programas y Director Internacional de Proyectos.
Cada año la Serpentine Gallery selecciona a un equipo de arquitectos para diseñar un pabellón en los jardines, como una pequeña muestra práctica de arquitectura contemporánea. El pabellón es utilizado como recinto para desarrollar un programa especial cultural como proyecciones de películas y charlas.
Desde el aсo 2000, cada verano se desarrolla esta actividad con el encargo de diseñar el pabellón a varios de los más importantes arquitectos internacionales:
• 2000 – Zaha Hadid
• 2001 – Daniel Libeskind
• 2002 – Toyō Itō2
• 2003 – Oscar Niemeyer
• 2004 – MVRDV, no construido
• 2005 – Álvaro Siza y Eduardo Souto de Moura
• 2006 – Rem Koolhaas, en colaboración con Cecil Balmond de la consultoría
• 2007 – Pre-pabellón obra de Zaha Hadid y el pabellón propiamente dicho Olafur
• 2008 – Frank Gehry
• 2009 – SANAA (Kazuyo Sejima y Ryūe Nishizawa)
• 2010 – Jean Nouvel, con la colaboración de Cecil Balmond de la consultoría de ingeniería Arup
• 2011 – Peter Zumthor
• 2012 – Herzog & de Meuron en colaboración con el artista Ai Weiwei.
• 2013 – Sou Fujimoto
• 2014 – Smiljan Radic Clarke
• 2015 – SelgasCano
• 2016 – BIG
• 2017 – Diébédo Francis Kéré
Pabellón 2017
El diseño propuesto para el Serpentine Pavilion 2017 se concibe como un microcosmos: una estructura comunitaria dentro de Kensington Gardens que fusiona referencias culturales de mi país de origen, Burkina Faso, con técnicas de construcción experimental. Mi experiencia de crecer en un remoto pueblo del desierto ha inculcado una fuerte conciencia de las implicaciones sociales, sostenibles y culturales del diseño. Creo que la arquitectura tiene el poder de sorprender, unir e inspirar a todos a la vez que media aspectos importantes como la comunidad, la ecología y la economía.
En Burkina Faso, el árbol es un lugar donde las personas se reúnen, donde las actividades cotidianas se desarrollan bajo la sombra de sus ramas. Mi diseño para Serpentine Pavilion tiene una gran cubierta de techo colgante hecha de acero y una piel transparente que cubre la estructura, lo que permite que la luz del sol entre en el espacio al tiempo que lo protege de la lluvia. Los elementos de sombreado de madera se alinean en la parte inferior del techo para crear un efecto de sombra dinámico en los espacios interiores. Esta combinación de características promueve una sensación de libertad y comunidad; al igual que la sombra de las ramas de los árboles, el Pabellón se convierte en un lugar donde las personas pueden reunirse y compartir sus experiencias diarias.
Fundamental para mi arquitectura es una sensación de apertura. En el Pabellón, esto se logra mediante el sistema de pared, que está compuesto por bloques de madera prefabricados ensamblados en módulos triangulares con pequeños espacios o aberturas entre ellos. Esto le da ligereza y transparencia al recinto del edificio. La composición de las paredes curvas se divide en cuatro elementos, creando cuatro puntos de acceso diferentes al Pabellón. Independientemente de la cubierta del techo, estos elementos permiten que el aire circule libremente por todas partes.
En el centro del pabellón hay una gran abertura en el dosel, creando una conexión inmediata con la naturaleza. En tiempos de lluvia, el techo se convierte en un embudo que canaliza agua hacia el corazón de la estructura. Esta recolección de lluvia actúa simbólicamente, destacando el agua como un recurso fundamental para la supervivencia y la prosperidad humanas.
En la noche, el dosel se convierte en una fuente de iluminación. Las perforaciones en la pared darán un destello de movimiento y actividad dentro del pabellón a los que están afuera. En mi pueblo natal de Gando (Burkina Faso), siempre es fácil ubicar una celebración por la noche escalando a un terreno más alto y buscando la fuente de luz en la oscuridad circundante. Esta pequeña luz se hace más grande a medida que más y más personas llegan para unirse al evento.
De esta forma, el pabellón se convertirá en un faro de luz, un símbolo de la narración y la unión.
Francis Kéré, Kéré Architecture - febrero de 2017
FRANCIS KÉRÉ
Francis Kéré es un arquitecto formado en Alemania de la pequeña ciudad de Gando, en el oeste de África, en Burkina Faso. Como el primer hijo del jefe de su aldea, su padre permitió que su hijo asistiera a la escuela a pesar de que muchos aldeanos consideraban que la educación occidental convencional era una pérdida de tiempo. Finalmente se le otorgó una beca para aprendiz en Alemania, donde obtuvo un título universitario en arquitectura e ingeniería. Paralelo a sus estudios, fundó la Fundación Kéré (anteriormente Schulbausteine für Gando eV) para financiar la construcción de la Escuela Primaria Gando, que obtuvo el prestigioso Premio Aga Khan en 2001. Kéré continúa reinvirtiendo conocimiento en Burkina Faso y sitios en cuatro diferentes continentes. Ha desarrollado estrategias de construcción innovadoras que combinan materiales tradicionales y técnicas de construcción con métodos de ingeniería modernos. Desde que fundó Kéré Architecture en 2005, su trabajo ha ganado numerosos premios de prestigio como el Premio Global de Arquitectura Sostenible, el Premio BSI Swiss Architectural, el Premio Marcus, el Premio Global Holcim Gold y el Premio de Arquitectura Schelling.
A Kéré se le otorgó el honor de ser miembro del Royal Institute of British Architects (RIBA) en 2009 y de ser miembro honorario del American Institute of Architects (FAIA) en 2012. Ha ocupado cátedras en Harvard Graduate School of Design y Swiss Accademia di Architettura di Mendrisio.
Trabaja en todos los continentes desde África hasta Europa, nos esforzamos por involucrar a las localidades en nuestro enfoque de diseño y construcción. Nuestra filosofía de proporcionar más con menos fomenta la innovación y el ingenio en nuestra práctica, utilizando materiales locales, conocimiento local y tecnologías locales para crear soluciones de diseño holísticas y sostenibles. Creemos que la arquitectura puede ser un vehículo para la expresión colectiva y el empoderamiento, por lo que trabajamos en estrecha colaboración con las comunidades locales en todas las fases del diseño, desde la planificación hasta la construcción. Al apoyar las necesidades educativas, culturales y cívicas de las comunidades locales con un diseño provocador y digno, continuaremos creando conciencia sobre los problemas sostenibles y económicos que enfrentan las poblaciones de las zonas rurales de África y más allá.
Kéré, quien dirige la práctica Kéré Architecture, con sede en Berlín, es el decimoséptimo arquitecto en aceptar la invitación de Serpentine Galleries para diseñar un pabellón temporal en sus terrenos. Desde su lanzamiento en 2000, esta comisión anual de un arquitecto internacional para construir su primera estructura en Londres en el momento de la invitación se ha convertido en uno de los eventos más esperados en el calendario cultural global y una atracción principal para los visitantes durante la temporada de verano de Londres. Serpentine Artistic Director Hans Ulrich Obrist y CEO Yana Peel hicieron su selección del arquitecto, con los consejeros David Adjaye y Richard Rogers.
Inspirado por el árbol que sirve como punto de encuentro central para la vida en su ciudad natal de Gando, Francis Kéré ha diseñado un Pabellón receptivo que busca conectar a sus visitantes con la naturaleza y entre sí. Un techo expansivo, sostenido por un armazón central de acero, imita el dosel de un árbol, permitiendo que el aire circule libremente mientras ofrece refugio contra la lluvia de Londres y el calor del verano.
Kéré ha adoptado positivamente el clima británico en su diseño, creando una estructura que se relaciona con el clima cambiante de Londres de maneras creativas. El Pabellón tiene cuatro puntos de entrada separados con un patio al aire libre en el centro, donde los visitantes pueden sentarse y relajarse durante los días soleados. En el caso de la lluvia, un oculus canaliza cualquier agua que se acumula en el techo en un espectacular efecto de cascada, antes de ser evacuado a través de un sistema de drenaje en el piso para su uso posterior en el riego del parque. Tanto el techo como el sistema de pared están hechos de madera. Durante el día, actúan como sombreado solar, creando charcos de sombras moteadas. Por la noche, las paredes se convierten en una fuente de iluminación cuando pequeñas perforaciones centellean con el movimiento y la actividad desde el interior.
Como arquitecto, Kéré está comprometido con el diseño socialmente comprometido y ecológico en su práctica, como lo demuestra su galardonada escuela primaria en Burkina Faso, exposiciones pioneras en museos solo en Munich y Filadelfia, y su inmersiva instalación en la exposición Sensing Spaces 2014 en La Real Academia de Londres.
Inspirado por las historias de reunión, debate y comunidad de Kéré, el Serpentine Pavilion 2017 acogerá una nueva serie de charlas comunitarias semanales de picnic, Radical Kitchen. Los ocho miércoles de julio y agosto, un grupo diferente de Londres o una organización de campaña se reunirán en el Pabellón para compartir sus recetas para crear un cambio social significativo. Para forjar una conexión con la comida, estos picnics serán organizados y atendidos por Mazí Mas, un restaurante emergente y empresa social premiada por mujeres migrantes, que busca descubrir los sabores de la Londres moderna para todos.
Con motivo de la GUEST, GHOST, HOST: MACHINE! Marathon 2017, Raqs Media Collective presentó Hollowgram, una nueva comisión de esculturas holográficas que consideraba la vida interior del poder. Situado en el Pabellón serpentino de Francis Kéré durante la Semana del friso (del 3 al 8 de octubre, de 10 a.m. a 6 p.m.), Hollowgram reflexionó sobre la majestuosidad y las estatuas de mármol y bronce que conmemoran a personajes históricos en los Jardines de Kensington.
El Pabellón es también la plataforma para un nuevo verano de Park Nights, la serie anual de encuentros experimentales e interdisciplinarios de Serpentine. Practicantes en los campos del arte, la arquitectura, la música, el cine, la filosofía y la tecnología se han encargado de crear un nuevo trabajo específico para cada sitio en respuesta a la estructura de Kéré, que ofrece formas únicas de experimentar la arquitectura y el rendimiento.
Ahora en su tercer año, Build Your Own Pavilion, la plataforma digital y la campaña de arquitectura nacional concebida con el apoyo financiero de Bloomberg Philanthropies, invita a los jóvenes a considerar la relación entre la arquitectura y el espacio público para hacer preguntas críticas sobre el futuro de sus ciudades y para diseñar las ciudades en las que les gustaría vivir. El Paquete familiar de arquitectura Serpentine, diseñado por la artista Katie Schwab, es una oportunidad para que los niños y sus familias experimenten el Pabellón 2017 de Francis Kéré desde perspectivas lúdicas y originales.
El diseño de Kéré sigue al Bjarke Ingels Group (BIG), cuya estructura 'muro descomprimido' recibió la visita de más de 250,000 personas en 2016, por lo que es uno de los pabellones más visitados hasta la fecha. Cuatro casas de verano en comisión en 2016 por Kunlé Adeyemi - NLÉ (Amsterdam / Lagos), Barkow Leibinger (Berlín / Nueva York), Yona Friedman (París) y Asif Khan (Londres), atrajeron a casi 160,000 visitantes.
SUPERTRAMA
SUPERTRAMA | Programa de Arte Público de Extremadura nace de la voluntad conjunta de promover espacios de creación artística y experimentación a través de Arte Público, generando conexiones entre arte, arquitectura, patrimonio, espacio urbano y ciudadanía en el marco del entorno rural extremeño.
En virtud del Convenio de colaboración firmado entre la Presidencia de la Junta de Extremadura, la Consejería de Sanidad y Políticas Sociales, la Consejería de Economía e Infraestructuras, la Diputación Provincial de Badajoz, la Diputación Provincial de Cáceres y el Colegio Oficial de Arquitectos de Extremadura (COADE) se crea y desarrolla este Programa de Arte Público de Extremadura.
Mediante este Programa, las instituciones mencionadas comparten el objetivo de contribuir al enriquecimiento cultural en el territorio extremeño, posibilitando intervenciones de Arte Público en municipios de Extremadura, en sus condiciones del patrimonio urbanístico, arquitectónico y natural del medio rural. De este modo, se pretende generar una oferta cultural abierta a todo tipo de público, que impulse el intercambio cultural entre personas ajenas al municipio y sus propios vecinos, la participación ciudadana y la afluencia turística.
Las propuestas de Arte Público a realizar son seleccionadas por un jurado experto.
Se constituye una Comisión de Seguimiento de este convenio, compuesta por:
Un representante de la Dirección General de Bibliotecas, Museos y Patrimonio Cultural de la Presidencia de la Junta de Extremadura. Un representante de la Dirección General de Turismo de la Consejería de Economía e Infraestructuras. Un representante del Instituto de la Mujer. Un representante del Instituto de la Juventud.
Un representante de la Diputación Provincial de Badajoz. Un representante de la Diputación Provincial de Cáceres. Dos representantes de la Dirección General de Arquitectura de la Consejería de Sanidad y Políticas Sociales. Un representante de la Secretaría General de Arquitectura, Vivienda y Políticas de Consumo de la Consejería de Sanidad y Políticas Sociales. Un representante del Colegio Oficial de Arquitectos de Extremadura (COADE).
En el espacio público nos encontramos y reconocemos. Las imágenes colectivas afectan a las relaciones que conforman una comunidad y a la manera en la que esta se relaciona con un entorno. Necesitamos reconocernos, identificarnos en un lugar para poder posicionarnos y actuar de forma solidaria.
¿Cómo sería posible generar nuevas imágenes de nuestros contextos?
A través de intervenciones artísticas es posible construir distintas lecturas y perspectivas que colaboran en un enriquecimiento de nuestra experiencia cotidiana en el espacio que habitamos.
SUPERTRAMA es un Programa de Arte Público en Extremadura que favorece la experimentación artística vinculada a entornos concretos, a su configuración urbana (rural), su arquitectura, memoria histórica y tejido social, fomentando un crecimiento cultural del territorio extremeño en colaboración con arquitectos, artistas y creativos que trabajan en torno al Arte Público.
A través de SUPERTRAMA se posibilita la participación directa de los habitantes del ámbito rural extremeño en el arte contemporáneo. Las intervenciones artísticas son llevadas a cabo por agentes que trabajan en el entorno cultural actual, son visitables durante un tiempo efímero, y accesibles a todos los ciudadanos. Estas acciones nos invitan a recorrer los lugares de actuación y reflexionar sobre los espacios que habitamos y compartimos.
Los autores podrán convivir con la comunidad durante el tiempo de realización de los trabajos.
La selección de propuestas se realiza a través de la mediación de un jurado experto en Arte Público, Arquitectura, Urbanismo, Espacio Público e Instalaciones Efímeras.
El Programa de Arte Público de Extremadura recoge la iniciativa “Tejiendo la Calle” realizada desde 2013 en Valverde de La Vera, Cáceres, proyecto colaborativo en el que los propios habitantes del lugar intervienen su espacio de hábitat.
La primera edición de SUPERTRAMA se realiza en verano de 2017 en Valverde de la Vera, coincidiendo con la instalación de “Tejiendo la Calle”, y es visitable entre el 18 de agosto y el 30 de septiembre en el municipio.
ÁREAS DE OPORTUNIDAD:
Entornos rurales
Mediante el presente Programa se posibilita un acercamiento del arte contemporáneo a emplazamientos rurales en los que la accesibilidad a este tipo de contenidos es limitada. Se presta especial atención a aquellas intervenciones artísticas que plantean un diálogo entre arte arquitectura, espacio físico y territorio.
Esta acción se enmarca dentro de la apuesta decidida por el equilibrio entre campo y ciudad, entre el mundo rural y el urbano en nuestra comunidad en todos los ámbitos, fundamentalmente en el cultural, con el objetivo claro de favorecer la divulgación y realización de prácticas colaborativas que posibiliten la transferencia de conocimiento, el sentimiento de pertenencia y la fijación de la población rural.
Juventud
Se pretende generar un espacio que posibilite la integración y convivencia entre personas de todas las edades. Se presta especial atención a propuestas que atienden a las inquietudes de los más jóvenes. Se fomenta la innovación en las propuestas plásticas y los discursos contemporáneos entorno a Arte Público, Arquitectura y Espacio Público, así como el modo de vida rural en la actualidad.
Arquitectura
Las intervenciones de Arte Público a realizar trabajan en relación directa con la arquitectura de los contextos de actuación. La arquitectura popular – forma de expresión de una determinada época – como soporte y medio para la realización de instalaciones efímeras, en simbiosis con el patrimonio arquitectónico de nuestra región. Laboratorio de ideas, alquimia que apuesta por la reutilización de recursos junto con el empleo de nuevas tecnologías.
Patrimonio, Cultura y Arte contemporáneo
Las intervenciones a realizar visibilizan y ponen en valor el patrimonio material e inmaterial de los entornos de actuación. Las obras realizadas colaboran en el desarrollo cultural del territorio. Se favorece la interculturalidad y el enriquecimiento mutuo entre las comunidades de intervención y los creadores, pertenecientes a diferentes contextos. Se fomenta el desarrollo de nuevas formas de arte contemporáneo en vinculación directa con las comunidades que habitan los lugares de intervención. Se plantea un nuevo programa de apoyo al trabajo de artistas, arquitectos y creativos del ámbito extremeño, nacional e internacional.
Turismo
Se cuida la realización de intervenciones de alta calidad, así como una óptima comunicación y difusión de los proyectos que repercutirá de manera positiva en el turismo cultural en las áreas de actuación. Se potencia la oferta cultural durante los meses de verano, momento de gran afluencia turística.
FESTIVAL DES ARCHITECTURES VIVES
El Festival des Architectures Vives es una ruta arquitectónica para el público en general, que puede descubrir o redescubrir los monumentos históricos de la ciudad de Montpellier desde 2006. El evento invita a los visitantes a entrar en contacto con este rico patrimonio ofreciendo instalaciones dispersas por la ciudad. En Montpellier, se lleva a cabo en la ciudad histórica y ofrece un camino que conecta mansiones y patios, en su mayoría privados, que generalmente no son visibles para los visitantes.
Cada instalación creada por equipos de arquitectos permite resaltar el trabajo de una generación más joven que está inventando, experimentando y explorando nuevos diseños de nuestros campos de entorno. Por lo tanto, el festival les ofrece la oportunidad de hacer una presentación a través de una instalación en el corazón del entorno prestigioso y notable que ofrece cursos y mansiones. Cada uno abre un diálogo entre el patrimonio y las instalaciones de arquitectura contemporánea.
Desde 2006, el FAV es organizado anualmente por la asociación Champ Libre, presidida por Jacques Brion y Elodie NOURRIGAT, arquitectos en Montpellier.
El acceso es completamente gratuito y abierto para todos.
El festival promueve el patrimonio existente al abrirse a muchos. Se crea una dinámica a través de la participación de los residentes que ven la oportunidad de participar comúnmente en una actividad cultural que mejora sus lugares de vida. Crear un diálogo entre la arquitectura y el público, proporcionar acceso a la cultura para todos es un objetivo que el festival destaca a través de varios ejes.
En 2015, para incluir el festival en esta misión de apertura cultural cercana a los jóvenes, se estableció un trabajo específico con la escuela. Por lo tanto, se organizó un proyecto educativo, en colaboración con los maestros de escuela preparados antes del evento, para visitar las instalaciones del Festival con las clases interesadas. Este proyecto para jardines de infantes y clases de primaria también responde al deseo de proximidad en las ciudades donde se lleva a cabo el festival. Para este primer año, participan no menos de 31 clases, desde el jardín de infantes hasta las clases de CM2 que participaron en este proyecto. Más de 600 niños acompañados por sus profesores y el equipo del Festival pudieron beneficiarse de una supervisión específica en torno a la arquitectura y el patrimonio.
Este trabajo también permite que algunos equipos, como fue el caso en 2013 con el proyecto «flor de los vientos», incluyan en sus proyectos talleres educativos que permitan a los niños participar incluso en el desarrollo de un proyecto completo.
Además, la mediación realizada por los estudiantes de la Escuela de Arquitectura de Montpellier y la presencia directa de arquitectos en el sitio permite un intercambio real entre los actores del Festival y el público.
Pabellón 2017 ØNA Architecture
El pabellón del Festival des Architectures Vives 2017 experimenta la conexión espacial creada por un elemento arquitectónico simple, la columna blanca. Su repetición permite crear un bosque de polos generando una nueva espacialidad y un diálogo con las columnas de piedra existentes. La idea del pabellón es rendir homenaje a estos elementos de apoyo que estructuran el lugar creando diferentes secuencias y percepciones. El tema de esta edición, la emoción resulta del desplazamiento y del camino dentro del pabellón. La repetición, el posicionamiento y las alturas de los elementos verticales permiten generar diversas sensaciones espaciales, como tensar, abrir o incluso requerir. Trabajo vertical y delgado, el pabellón tiene como objetivo rendir homenaje a la composición espacial del patio histórico por el rendimiento del material de acero.
ØNA Architecture es un colectivo de jóvenes arquitectos que se reunieron en la Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Montpellier. Creada en 2013, ØNA centra su actividad en la competencia de ideas para expresar su visión de una arquitectura innovadora.
ØNA se basa en múltiples deseos y pasiones que provienen de las diversas experiencias personales de cada uno de sus miembros. Su objetivo es ser un grupo de investigación sobre diversos temas como la arquitectura, el urbanismo y el paisaje. El objetivo principal es aprender y ofrece una arquitectura contemporánea sobria en relación con las características históricas, culturales y geográficas del entorno en el que tiene lugar.
Más allá de la arquitectura, el colectivo está en el centro de muchas pasiones como la fotografía, las tecnologías, los viajes, la gastronomía y los deportes. Todos estos factores afectan la forma en que aprehenden, ven, imaginan y presentan cada proyecto.
LOVISUAL
LOVISUAL es un evento que busca vincular y visibilizar a comercios y creadores a través de intervenciones en fachadas y escaparates.
Es una oportunidad para conocer el trabajo de creadores de distintos ámbitos: ilustradores, fotógrafos, escenógrafos, artistas, arquitectos, diseñadores; para aproximarse a una serie de espacios comerciales que aportan un valor añadido a través de la especialización y el diseño.
En LOVISUAL la ciudad se transforma en una galería abierta al arte y la creación: una forma de vincular la cultura, la creatividad y el diseño con el comercio de la ciudad.
LOVISUAL, organizado por la Asociación Cultural Visual, es una iniciativa de los hermanos Niño (Daniel, Manuela y Marian) y Javier Peña Ibáñez.
Lovisual, organizado por la Asociación Cultural Visual, es un evento de iniciativa privada que busca vincular y visibilizar a comercios y creadores a través de sus intervenciones en fachadas y escaparates. En 2017 se celebra la segunda edición del 5 al 14 de octubre en la ciudad de Logroño con la participación de 20 comercios y 21 equipos de creadores y la incorporación de nuevas actividades como un Foro con profesionales del diseño de medios de comunicación, una jornada técnica y taller participativo.
Lovisual, cuenta con con el patrocinio del Ayuntamiento de Logroño y del Centro Intergal del Diseño de La Rioja de la Agencia de Desarrollo Económico de La Rioja; con la colaboración de la Federación de Empresarios de La Rioja, Escuela Superior de Diseño de La Rioja, Hotel Marqués de Vallejo, Gastro 1911, cerveza Little Bichos, Illy Café, Repro Centro Digital y Diario La Rioja, dis-Up! y La Ventana del Arte como media partner.
Los Premios Illy Lovisual 17valoran las intervenciones que mejor han sabido conectar con el comercio y el público. El jurado de esta edición ha estado formado por Ana Magaña, Profesora de Estudios de Grado en Diseño de Moda de la Escuela Superior de Diseño de La Rioja; Susana Miranda, Directora de Marketing Diario La Rioja; y Dino Abrate de Illy café.
Primer Premio
Carlos Rosales (artista, La Rioja), por la instalación “Maneras de perder el tiempo” en Cocinamos? (Jorge Vigón 28)
“Por conseguir una obra rotunda que transmite una emoción universal que se manifiesta a través de un objeto cotidiano como es el plato. Vincula al espectador con el comercio de una forma sensible que traslada múltiples reflexiones sobre nuestra vida y el paso del tiempo”.
Segundo Premio
La Proyectual (diseño de interiores, La Rioja), por su la instalación “La Colmena” en Joyería María José (Jorge Vigón 22)
“Por emplear prácticas y técnicas artesanales para desplegar una instalación que transforma por completo la experiencia en el comercio. Configuran una obra completa al conjugar el interior y exterior, visibilizando la fachada con una nueva textura y el interior con un juego de luces y materiales”.
Tercer Premio
Clara Nubiola (artista, Barcelona), por “Explora tu interior” en Lencería Anayvi (Gran Vía 59)
“Por haber conseguido plasmar el imaginario colectivo de la ciudad a través de su exploración previa, gran trabajo de documentación de la ilustradora catalana, en el que ha sabido incorporar la mirada del transeúnte generando una postal de lo urbano participativa. Nubiola consigue a través del dibujo que el observador traspase lo evidente y se interne en lo íntimo, en un espacio en el que descubrir y explorar fundiendo interior y exterior en una sola mirada”.
Accesit
Javier Antón (fotógrafo, Logroño), por “Sumo” en Lencería Desiré (Doctores Castroviejo 20)
“Por su capacidad de transformar su técnica, la fotografía, para recrear un ambiente, un universo que vincula lo físico y lo digital. Aúna ideas y conceptos a través de la estética, recreando una escenografía en la que traslada al público a un mundo imaginario lleno de sensaciones”.
PLASTIQUE FANTASTIQUE
Plataforma para arquitectura temporal
Plastique Fantastique es una plataforma para la arquitectura temporal que muestrea las posibilidades performativas de los entornos urbanos. Establecida en Berlín en 1999, Plastique Fantastique se ha visto influenciada por las circunstancias únicas que convirtieron a la ciudad en un laboratorio para espacios temporales y se ha especializado en la creación de instalaciones neumáticas como espacios alternativos, adaptables y de baja energía para actividades temporales y efímeras.
Las estructuras de caparazón transparentes, livianas y móviles se relacionan con la noción de activar, crear y compartir el espacio público e involucrar a los ciudadanos en los procesos creativos. En muchos sentidos, son las estructuras más simples: una piel que separa pero también se conecta. El resultado es una instalación específica del sitio que da nueva vida a la ciudad y hace que lo invisible sea visible.
En la actualidad, Plastique Fantastique desarrolla equipos orientados a proyectos para realizar una amplia gama de proyectos en todo el mundo, dependiendo de la solicitud específica.
Plastique Fantastique es un grupo de sujetos creativos que juega con la potencialidad del contexto urbano. Plastique Fantastique tiene su sede en Berlín y crea equipos orientados a proyectos en todo el mundo, dependiendo de la solicitud específica.
Marco Canevacci y Yena Young
EQUIPO PLASTIQUE:
Marco Barotti, Simone Serlenga, Markus Wüste, Harriet Collins, Mirjam Dorsch, Stephanie Grönnert, Antonia Joseph, Julia Lipinsky, Hugo Luque, Carsten Reith
INVITADOS FANTASTIQUE:
Al Victor, Aki, Martin Abbott, Gonzalo Arnejo Meijueiro, Pietro Balp, Andreas Beer, Plamen Botev, André Broessel, Lorenzo Brusci, Alberto Sánchez Cabezudo, Héctor Crehuet, Raffaele Distefano, Aurora Domínguez, Gaia Fugazza, Steffi Goldmann, Àlvaro Gómez-Sellés , Jacopo Gallico, Sonia García, Emanuele Guidi, Michael Heim, Marc Hernández, Franz Höfner, Hiram Krumm, Jens Löffler, Itxaso Markiegi, Ingo Mende, Manuela Milicia, Torsten Müller, Giulio Neri, Lak Poison, Chong Tzu Huei Queenie, Gianluca Regoli , Nicole Riegel, Cristina Saquillo, Anna Sauter, Gabriel Spera, Andreas Steinmann, Uta Sewering, Elena Tonini, Gyoergy Vago, Francesca Venier, Markus Vogt, Nicole Wagner, Ragnar Weber, Carmen Zedler, Daniela Zenone.
La mejor manera de entender los conceptos que Plastique Fantastique quiere transmitir es describir sus proyectos, trataremos de alguno de ellos que más se aproximan a nuestro enfoque a continuación:
AEROPOLIS - Metropolis Festival
El proyecto AEROPOLIS se realizó con motivo del Metropolis Festival 2013. El entorno temporal ofrece una plataforma de comunicación para experimentar una secuencia de 13 actividades urbanas con escenografías cambiantes, todas curadas junto con instituciones culturales locales: astronomía entre dos paredes de escalada en Nørrebro, jardín de infantes y hip hop frente a un supermercado en Valby, meditación y yoga junto a un lago en Vanløse, actuaciones en Islands Brygge, artes marciales en Superkilen, conferencias en Amager, discoteca silenciosa en una de las intersecciones más ruidosas de la ciudad de Nordvest, etc.
La arquitectura de la estructura neumática de 100 metros cuadrados de una sola capa se ha diseñado con 2 "tapas" opcionales para permitir la máxima movilidad y flexibilidad durante su recorrido por 13 ubicaciones diferentes en Copenhague. Además, la instalación siempre cambia su forma en constelaciones interminables al exprimirse a través del entorno urbano o natural existente, mejorando así la percepción de esos espacios públicos peculiares al enfocarlos. El centro comunitario AEROPOLIS insufla nueva vida a la ciudad y hace visible lo invisible.
AEROPOLIS es un proyecto de Plastique Fantastique en cooperación con Københavns Internationale Teater con motivo del Metropolis Festival 2013.
KARL MARX BONSAI
48 Stunden Neukölln, Berlín, junio de 2008.1 tronco, 1 cubo de basura y 3 bancos se fusionaron temporalmente en una sola estructura inflable: la maceta. El pot-space recién generado es experimentado, animado y amplificado por el sonido, el Flower-Catalyzer. Las composiciones de Lorenzo Brusci y los actos en vivo de Marco Barotti dan a luz a un sistema de sonido neumático vibratorio. KARL MARX BONSAI es un proyecto conjunto de Plastique Fantastique & Architettura Sonora para 48 Stunden Neukölln - 10. Kunst- und Kulturfestival.
THE EMOTION MAKER – Clerkenwell Design Week
Estreno: Clerkenwell Design Week 2011. The Emotion Maker es una intervención urbana interdisciplinaria experimental que utiliza una cámara de rendimiento temporal para albergar una instalación de sonido interactiva que conecta a los participantes con cientos de muestras de música pregrabadas por 100 músicos diferentes que representan sus propias emociones. Las pistas se cargan en un dispositivo interactivo que permite a los visitantes remezclar las emociones en una composición propia. El Emotion Maker condensa la música, la arquitectura y el paisaje sonoro en una esfera pública. Hasta la fecha, Emotion Maker ha llevado su experiencia de concierto íntima y autodidacta a las ciudades de Berlín, Bilbao y Londres. THE EMOTION MAKER es un proyecto conjunto de Plastique Fantastique, Marco Barotti y Architettura Sonora.
ALBERT SCHWEIZER GYMNASIUM
Activación de la percepción de un espacio público - evento de arquitectos, artistas y alumnos en la "Albert-Schweitzer-Platz" el 8 de marzo de 2012. En el transcurso de la escasez de espacios abiertos en Berlín, el diseño de espacios públicos en barrios urbanos como salones para jóvenes cada vez más importante. La Albert-Schweitzer-Platz en Neukölln podría servir como un vecindario, rodeado por una escuela y edificios residenciales, un espacio público importante en la zona norte de Karl-Marx-Strasse. No se percibe como tal, sino como un lugar problemático y depreciado cuya jurisdicción no está clara, tolerando el tráfico de drogas, el estacionamiento no autorizado y muchas malezas. Durante el Taller de Ideas, los estudiantes, profesores, vecinos y profesionales formularán conjuntamente ideas y deseos para un concepto de uso y diseño para el curso. El objetivo de la activación de Albert-Schweitzer-Platz es llamar la atención sobre su potencial como espacio público y anunciar a su debido tiempo la reivindicación de la participación de alumnos y vecinos en futuros procesos de planificación. La instalación en el curso fue posible gracias a BIOTRONIK. El proyecto ha sido una cooperación con Hertzsch + Page.
BURBUJA MANCHEGA
Nuevas Tecnologías en Castilla la Mancha, España, enero-mayo de 2007. El proyecto BURBUJA MANCHEGA es una unidad de exposición móvil que se colocó en 5 ubicaciones diferentes en Castilla la Mancha, España. Las instalaciones se concibieron como eventos educativos públicos, que muestran a los visitantes cualquier hecho sobre las nuevas tecnologías. Las estructuras se quedaron una semana en cada ubicación. La arquitectura estaba compuesta por dos espacios principales interconectados por dos túneles donde los visitantes experimentaban los contenidos en un recorrido circular. El equipo técnico requerido estaba ubicado entre estos túneles.
TAKK / MIREIA LUZÁRRAGA + ALEJANDRO MUIÑO
Takk (mireia luzárraga + alejandro muiño) es un espacio de producción arquitectónica enfocado en el desarrollo de prácticas materiales experimentales y especulativas en la intersección entre naturaleza y cultura en el marco contemporáneo, con especial atención en la superación del antropocentrismo en sus diferentes formas ( político, ecológico, cultural, de género ...), y también en la definición de nuevas nociones de belleza a través de la articulación de la diferencia mediante el ensamblaje de una multiplicidad de materiales de diferentes orígenes y condiciones, prestando atención tanto a sus propiedades físicas y a sus asociaciones simbólicas.
Mireia Luzárraga (madrid, 1981) y Alejandro Muiño (barcelona, 1982) son arquitectos desde 2008 graduados con honores por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM) y la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallés (ETSAV-UPC) respectivamente Marzo. Arquitectos para la Universidad Internacional de Cataluña (ESARQ-UIC).
Su trabajo ha sido premiado y distinguido en varios concursos nacionales e internacionales. Algunos de ellos son: Fad Award on Architecture 2011 para el proyecto The walls are coming down (2011) en el Ephemeral Interventions Group, Fad Award en arquitectura preseleccionado para el Project Dreamhouse (2013), y se han catalogado en las dos últimas ediciones del Premio Arquia Próxima para arquitectos menores de 40 años en España. Además, Takk ha sido galardonado con el primer Precio para los proyectos desarrollados Paradís (2012) y Dreamhouse (2013), ha ganado una Mención de Honor en el 1er Premio de Arquitectura Social de la Fundación Konecta 2012 por el proyecto Suitcase House, y ha sido invitado a participar en la Plataforma de Innovación Abierta en el Pabellón de España en la XIII Exposición Internacional de la Bienal de Venecia en 2012. Su trabajo ha sido distinguido en plataformas nacionales e internacionales como Europan o Pasajes-iGuzzini y ha sido publicado en revistas como OnDiseño, D + A, Pasajes de Arquitectura y Crítica, AV Proyectos, Arquitectura COAM o Arquine entre otros. Han sido expuestas en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), la Feria Internacional de Arte ARCOmadrid, el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante y el FAD (Fomento del Arte y el Diseño).
Además de esta práctica profesional, Takk está desarrollando un marco en el campo de la investigación y la docencia. Mireia Luzárraga y Alejandro Muiño son profesores en el Departamento de Proyectos de la Universidad de Alicante (UA), en el Instituto Europeo di Design en Madrid (IED Madrid) y Master Tutors en el Instituto de Arquitectura Avanzada de Cataluña en Barcelona (IAAC). También han participado como docentes en diferentes talleres y escuelas de verano y han explicado su trabajo en varias conferencias a nivel internacional.
En la actualidad, Mireia y Alejandro combinan su trabajo profesional y docente con el desarrollo de sus respectivas Tesis de doctorado sobre la política de ornamentos y micro-comunidades autosuficientes. Se les han otorgado con la beca "Junior Faculty - La Caixa”.
PICADO DE BLAS
María José de Blas y Rubén Picado, ambos arquitectos por la Escuela de Madrid ETSAM en 1990. Fundan el estudio PICADO-DE BLAS ARQUITECTOS en 1991 en Madrid.
Los concursos de Ideas y encargos privados mueven el estudio, con una actividad complementada siempre con la docencia, siendo actualmente coordinadores del Taller Transversal, profesores de Proyectos y del Fin de Carrera en la Universidad Politécnica San Pablo CEU de Madrid. María José comienza la docencia el 1990 tras un posgrado en la universidad Kings Manor (York) de Restauración de Parques y Jardines Históricos. Rubén desde 2002, dos años en el IEDesign y cinco en la Universidad Europea de Madrid. Ambos tienen ya consolidado un sexenio de investigación por la ANECA.
Son llamados a impartir conferencias, masters y cursos en otras universidades e instituciones nacionales e internacionales.
Han formado parte de la comisión de Cultura del COAM cinco años, desarrollando ciclos periódicos de exposiciones como OBRA RECIENTE o CRUDO 100%. Son llamados como comisarios y también como diseñadores de multitud de exposiciones.
Se ha publicado una monografía de sus últimas obras, premios y concursos ganados titulada "EXCEPTO 16~PICADO-DEBLAS".
>Seleccionados en la exposición "Jóvenes Arquitectos de España" JAE, expuesta en Madrid, Nueva York, Boston, Chicago...; también para "Una Ciudad llamada España", expuesta en Madrid, Atenas y Moscú; ambas promovidas por el Ministerio de Asuntos Exteriores.
>Seleccionados en el Pabellón de España de la V y XI Bienal de Arquitectura de Venecia (Sep.1991 y Sep. 2008)
>Seleccionados en la X Bienal de Arquitectura Española (Junio de 2009)
Galardones por obra construida:
XV PREMIO DEL AYUNTAMIENTO de MADRID 2000 con el Restaurante ,La Broche de Sergi Arola ; PREMIO PaD 2002 por los Juzgados de Hellín; PREMIO PaD 2006 por los Juzgados de Cervera de Pisuerga; finalistas FAD 2006 con el Centro de Educación Especial APSA en Madrid.
PREMIO ENOR 2007 y el Premio Nacional de la Piedra 2008 por el nuevo Teatro de San Lorenzo de El Escorial; PREMIO SALONI 2008 por la Guardería de 0 a 3 años en Arganda del Rey y galardonados con XXII PREMIO DEL AYUNTAMIENTO de MADRID 2007 con el Centro de Estética Felicidad Carrera.
PREMIO FAD DE INTERIORISMO 2012 Tondeluna en Logroño.
Proyectos de interés fruto de concursos de Ideas o encargos privados:
Intervención Paisajística de la Playa de la Espasa en Asturias, 2008> Finalista FaD 2008 y seleccionado en la V Bienal del Paisaje); Edificio de Policía Local de Villanueva de la Cañada; Dos Pasarelas Peatonales sobre el rio Henares en Guadalajara fruto del primer premio EUROPAN-7; ganadores del Concurso internacional de Viviendas de Vanguardia del Ministerio de Vivienda SEPES y ; Concurso Internacional del Edificio del Decanato en el Campus de la Justicia de la Comunidad de Madrid; Ganaron el concurso para la construcción del nuevo Estadio de Hockey para la candidatura de la Villa Olímpica de Madrid 2016.; Clínica Dermatológica Internacional en Madrid.
Los mas recientes son: la construcción de un Centro Público de Enseñanza en Plasencia (Cáceres) y el de la remodelación integral del Espacio Mayte Commodore, edificio 'protegido' de Gutierrez Soto en Madrid. >En construcción la remodelación integral del Hotel Echaurren en Ezcaray-La Rioja; Un Parque Forestal en Torrelodones.
Han construido viviendas unifamiliares, intervenciones de interiorismo, mobiliario y proyectos de jardinería y paisaje para clientes privados que han confiado en su experiencia, ilusión y compromiso para adaptarse a las diversas circunstancias que se suscitaron ~(publicadas en revistas especializadas).
MAIO
MAIO es un estudio de arquitectura que trabaja en sistemas flexibles. MAIO ha desarrollado proyectos de escalas variables, que incluyen desde mobiliario a edificios de viviendas o diseño urbano. Recientemente ha finalizado una plaza pública y una exposición en el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), entre otros.
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MAIO ha impartido conferencias en GSAPP-Columbia University, Yale School of Architecture, Washington University, Facultade de Arquitectura de Lisboa, Brussels School of Architecture UCL-LOCI o la ETSAM-UPM, y su trabajo ha sido publicado en revistas como Domus, AIT, Volume, Blueprint, A10 o Detail y premiado en diversas ocasiones.
Recientemente MAIO ha participado como invitado en la Chicago Architecture Biennial 2015, comisariada por Sarah Herda y Joseph Grima, y comisariado un Weekend Special en la Biennale di Venezia 2014.
Los miembros de MAIO combinan su actividad profesional con tareas académicas, de investigación y editoriales. Actualmente colaboran como editores en la revista Quaderns d’Arquitectura i Urbanisme, e imparten docencia en la Escuela de Arquitectura de Barcelona ETSAB/ETSAV.
LEBREL
Lebrel es un proyecto de diseño de muebles y productos dirigido por Fernando Abellanas, un fontanero español que ha diseñado y construido todo lo que lo rodea desde una edad muy temprana.
Inspirado por diseñadores y arquitectos pioneros de los años 60 y 70, Fernando crea productos altamente funcionales con una estética minimalista que abarca desde lámparas, estantes y bancos hasta portabicicletas.
EXPOS MILÁN 2015
La Exposición Internacional de Milán de 2015 fue la segunda Exposición Internacional Registrada y regulada por la Oficina Internacional de Exposiciones. Comenzó en Milán, el 1 de mayo y finalizó el 31 de octubre.
- El tema de la Expo 2015 Milán es «Alimentar el planeta, energía para la vida».
Dentro del tema principal, los participantes podían abordar cualquiera de siete subtemas:3
- Ciencia para la seguridad y calidad alimentaria.
- Innovación en la cadena de abasto de alimento agropecuarios.
- Tecnología para la agricultura y la biodiversidad.
- Educación nutricional.
- Solidaridad y cooperación en alimentos.
- Alimentos para mejores niveles de vida.
- Alimentos en las culturas del mundo y grupos étnicos.
A su vez, los subtemas se podían afrontar desde tres ángulos:
- Procesos en desarrollo.
- Consumidores y productos.
- Gobernabilidad.
Uno de los proyectos más originales en Milán es sin lugar a dudas la contribución austriaca (breathe.austria) que no sólo pretende demostrar la belleza sino también la utilidad de la naturaleza. El pabellón representa a un bosque con 60 árboles que miden hasta 12 metros de alto, un gran número de arbustos, matorrales, musgos, líquenes) para de este modo recrear un microclima agradable y fresco y garantizar así una excelente calidad del aire.
El diseño tan original se refleja igualmente en la oferta culinaria que los Chef de cocina austriacos. Preparan delicatesen a partir de lo mejor que puede ofertar el bosque. El Pabellón Austriaco será igualmente un punto de encuentro para empresas del mundo entero.
El pabellón fue desarrollado por el grupo interdisciplinario del proyecto "team.breathe.austria" bajo la dirección del arquitecto, arquitecto paisajista y profesor universitario, Klaus Loenhart.
Austria ofrece un ejemplo vivo de sistemas híbridos que combinando naturaleza y tecnología logran llegar al éxito ecológico.
https://www.plataformaarquitectura.cl/cl/767088/pabellon-austria-nil-expo-milan-2015-teareathustria
Pabellón del Reino Unido - Expo Milán 2015
El galardonado talento británico fue seleccionado por el UK Trade & Investment (UKTI) para concebir y construir el pabellón para la Expo Mundial del 2015. El pabellón se desarrolló en torno al concepto de una colmena y la manera en la que la nueva investigación y la tecnología estaban ayudando a abordar la seguridad alimentaria y la biodiversidad.
Diseñado por el artista con sede en Nottingham, Wolfgang Buttress, en colaboración con el ingeniero Tristán Simmonds y la oficina de arquitectura basada en Manchester, BDP, el Pabellón fue fabricado y construido por Stage One.
La intrincada estructura y las complejidades logísticas superadas por el equipo del proyecto demuestran la experiencia de Stage One en la entrega de instalaciones y pabellones para, eventos artísticos y de entretenimiento arquitectónicos, tales como los Juegos Olímpicos y cada Pabellón de la Serpentine Gallery desde 2009.
El Estudio de Arquitectos Arthur Casas y Atelier Marko Brajovic ganó el concurso para la creación del Pabellón de Brasil para la Expo Milán 2015, encargado por APEX-Brasil. El objetivo fue combinar la arquitectura y la escenografía con el fin de proporcionar a los visitantes una experiencia que transmita valores brasileños y las aspiraciones de su agricultura y ganadería de acuerdo con el tema "Alimentar al mundo con soluciones". Más que un edificio temporal, la inmersión sensorial incluye el ocio, información de alta tecnología, interacción y aprendizaje.
El Pabellón de Brazil - Expo Milán 2015
El pabellón de Brasil quiso traer nuevos elementos, al tradicional público del país, a este tipo de eventos. Mirando hacia el futuro, pretendió demostrar que Brasil logra la excelencia en áreas cruciales para la humanidad, como la agricultura y la ganadería, en un permanente movimiento para crear nuevos paradigmas en la forma en que nuestra sociedad se relaciona con el medio ambiente, una transformación simbiótica, capaz de trazar nuevas estrategias para nuestro país. Más que tratar de sobresalir entre tantas naciones, el pabellón de Brasil tradujo el deseo de inspirar la curiosidad hacia nuestro territorio y las personas para generar nuevas relaciones que tienen lugar más allá del período del evento. Se demostró que es posible transformar las ideas utópicas en realidad e inspirar soluciones que siguen el tema de la Expo: Alimentar el planeta, energía para la vida.
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