Tercera Propuesta

Vamos a tratar de analizar el cine desde la perspectiva de las producciones, como han ido evolucionando, los métodos que se han empleado, equipos y la manera en que nuestra manera de consumirlo ha influido en estas producciones, ya que cada día empleamos más plataformas como Netflix que cuentan con producciones propias orientadas a ser vistas en nuestros hogares y alejarnos del concepto clásico de cine y proyección.

Los inicios del cine se realizaron mediante las evoluciones de la cámara oscura y el daguerrotipo que llevaron a William Dickson a desarrollar el kinetoscopio. Los hermanos Lumiere desarrollaron el cinematógrafo que permitía de manera muy limitada recoger el movimiento. Nosotros queremos centrarnos en personas que desarrollaron producciones y la manera en que las llevaron a cabo. De esta primera etapa, hemos escogido a Georges Melies.

Marie Georges Jean Méliès  fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. 

Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, popularizó técnicas como el truco de parar y fue uno de los primeros cineastas en utilizar exposiciones múltiples, la cámara rápida, las disoluciones de imágenes y la película en colores. Fue también pionero en el uso de guiones gráficos.1 Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». 

Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y Viaje a través de lo imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896). 

Méliès ordenó construir este estudio en el jardín de su finca, aprovechando un invernadero, en Montreal-sous-Bois, cerca de París, en la primavera de 1897. El estudio se amplió posteriormente con un laboratorio donde trabajaban las propias actrices pintando a mano los negativos de las películas, bajo la dirección de Madame Thuillier. En 1905 se construyó un estudio B con una grúa que permitía levantar objetos y personas, así como una instalación eléctrica.1 

El planteamiento de Méliès era totalmente teatral, pero su uso era

decididamente cinematográfico. Hasta el año 1906, Méliès se vio obligado a utilizar la luz solar debido a las imperfecciones de las instalaciones eléctricas. Las partes de cristal del invernadero permitían el uso de esta luz solar, pero había que evitar que el sol proyectase las sombras de la estructura sobre el escenario, para lo que Méliès desarrolló un sistema de pantallas de papel transparente que se podían hacer correr en el caso de ser necesario, y transformas así la luz directa en luz difusa para que no formase sombras. 

Charlie Chaplin : el chico

Muchos de los admiradores de Chaplin consideran a The Kid como su película más perfecta y personal. Sin embargo, parece haber nacido de un estado de agitación emocional aguda en su vida privada.

En octubre de 1918, Chaplin se comprometió a un apresurado matrimonio con una actriz de 17 años, Mildred Harris. La pareja tenía poco en común, y el aburrimiento y la frustración personal de Chaplin dieron como resultado un bloqueo creativo agudo.

Más tarde escribió: "Estaba en mi ingenio para tener una idea". Mildred quedó embarazada y dio a luz a un niño malformado, que murió después de solo tres días. Chaplin evidentemente sufrió un trauma agudo por esta pérdida. Pero las respuestas de la mente creativa son impredecibles. Solo diez días después de que su propio hijo fuera enterrado, Chaplin estaba audicionando bebés en su estudio. De repente, el bloque creativo parecía superado. Estaba absorto y emocionado por un nuevo plan para una historia en la que el Pequeño Vagabundo se convertiría en padre sustituto de un niño abandonado. La película se llamaría The Waif.

Por casualidad, visitó un music hall donde actuaba un bailarín virtuoso. Al final de su acto, el bailarín trajo a su hijo de cuatro años, un niño hermoso y brillante llamado Jackie Coogan. Chaplin había encontrado a su coprotagonista. Jackie era una mímica nacida, y podía imitar perfectamente cualquier acción o expresión que Chaplin le mostrara. Esto lo hizo el colaborador perfecto. Chaplin fue el creador supremo y único de sus películas. Todos sus colegas estuvieron de acuerdo en que si él hubiera podido hacerlo, él habría jugado todas las partes de cada película él mismo. A falta de esto, buscó actores y actrices que pudieran copiar fiel e incondicionalmente lo que les mostró. En Jackie Coogan encontró a su actor ideal.

Su inspiración nunca pareció aflojarse durante el rodaje, que se prolongó durante casi nueve meses. La única interrupción fue cuando Chaplin se tomó un par de semanas para noquear una comedia alegremente sin complicaciones, A Day's Pleasure, para calmar a sus distribuidores, que estaban desesperados por la lenta entrega de nuevas imágenes. Chaplin nunca pareció más obstinado en su característica búsqueda de la perfección que en hacer The Kid. Él pacientemente grabó escenas una y otra vez hasta que estuvo completamente satisfecho. Al final, filmó más de cincuenta veces la duración de la película que apareció en la imagen final. Tal proporción de disparos, fue precisamente de 53 a 1, fue mucho mayor que para cualquier otra película que haya hecho.

The Kid es quizás el matrimonio más potente de Chaplin de comedia y alta emoción. La historia relata cómo una madre soltera abandona a un bebé, que es encontrado y adoptado involuntariamente por el Vagabundo. A medida que el niño madura a los cinco o seis años, los dos forman una sociedad comercial rentable: el niño da la vuelta rompiendo ventanas, y su amigo lo sigue, ganando una vida honesta al repararlos de nuevo. El vagabundo se opone ferozmente a los esfuerzos de los trabajadores sociales para llevar al niño al cuidado público, y finalmente se reencuentra con su madre, ahora una exitosa cantante de ópera.

El elemento emocional de la película alcanza un máximo de intensidad en las escenas en las que los trabajadores sociales intentan llevar al niño a un orfanato. La angustia y la ferocidad de la lucha del Vagabundo por retenerlo están incuestionablemente inspiradas por los recuerdos de la angustia de la infancia de Chaplin al ser quitado de su madre a los siete años y ser colocado en un hogar para niños indigentes.

Para cuando el tiroteo había terminado, la ahora irremediablemente separada esposa de Chaplin, Mildred, había comenzado una demanda de divorcio. Aterrorizada de que sus abogados intentaran apoderarse del niño, Chaplin y sus colaboradores más fieles huyeron de California. La película fue editada en secreto en un hotel en Salt Lake City y en un estudio anónimo en Nueva York. Hubo más problemas financieros con los distribuidores, pero cuando The Kid finalmente se lanzó en febrero de 1921, fue un triunfo instantáneo en todos los lugares donde se mostró, quizás el mayor triunfo de la carrera de Chaplin.

Jackie Coogan, a los 7 años, se convirtió en una celebridad mundial, honrada por príncipes, presidentes y el propio Papa cuando se embarcó en una gira por Europa. Disfrutó de una breve carrera cinematográfica como actor infantil, pero, como lo expresó Hollywood, "la senilidad lo golpeó a los 13 años". Cuando era un adulto joven se encontró sin un centavo: su madre y su padrastro habían manejado mal las ganancias de su niñez, y lo poco que quedaba se consumió en las batallas legales.

El cantante de Jazz

Primera película con sonido sincronizado que empleaba el método Vitaphone.

Metropolis

Lo que el viento se llevó

Antes de la publicación de la novela, varios ejecutivos y estudios de Hollywood, como Irving Thalberg y Louis B. Mayer de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman de la RKO Pictures y David O. Selznick de la Selznick International Pictures se negaron a rodar una película basada en ella. A Jack Warner le gustó la historia, pero la mayor estrella de la Warner Bros., Bette Davis, no estaba interesada, y Darryl F. Zanuck, de la 20th Century-Fox no ofreció suficiente dinero. Selznick cambió de opinión después de que su guionista jefe, Kay Brown, y su socio de negocios, John Hay Whitney, lo instaran a comprar los derechos para la película. En julio de 1936, un mes después de su publicación, Selznick compró los derechos por 50 000 dólares, una cifra exorbitada por ese concepto por entonces.

Al inicio de la producción Lee Garmes fue el director de fotografía, pero el 11 de marzo de 1939, tras un mes de rodaje que Selznick y sus asociados consideraban «demasiado oscuro», fue sustituido por Ernest Haller, que trabajó con Ray Rennahan, como director de fotografía de Technicolor. Garmes completó el primer tercio de la película (en su mayor parte todo lo sucedido antes de que Melanie tuviera el bebé) pero no figuró en los créditos. La mayor parte del rodaje se realizó en un plató de Selznick International conocido como Forty Acres, y todo el rodaje de exteriores se desarrolló en California, principalmente en el condado de Los Ángeles o el vecino condado de Ventura. La residencia principal de Tara, la plantación ficticia del sur de la plantación, existió solamente como una fachada de madera contrachapada y papel maché construida en los terrenos del estudio de Selznick Para el incendio de Atlanta se construyeron fachadas falsas delante de viejos decorados abandonados de otras películas de los estudios Selznick, y el propio Selznick operó los controles de los explosivos que los quemaron. Algunas fuentes del momento estimaron los costes de producción en 3,85 millones de dólares, que la convertían en la segunda película más cara hasta ese momento, tras Ben-Hur.  

A partir de los años 50 la cinematografía se vio muy amenazada con la llegada de la television que permitía que ver películas en casa sin necesidad de ir al cine. En ese momento las grandes productoras decidieron que se debían establecer grandes diferencias con la television, como que el color, el 3D, el sonido estéreo y las películas en pantallas gigantes. El primer proyector que permitió esto fue el Cinerama. A partir de aqui 20th Century Fox creo CinemasCope, que permitía emplear lentes anamorficas. La primera película se publico en 1953 “The Robe”. Aunque este sistema tenia multiples defectos como la deformación de las caras y el exceso de iluminación que era preciso para que funcionar.

Ben- Hur

                 

A finales de la década de 1950, las decisiones judiciales estaban forzando a los estudios de cine a deshacerse de sus cadenas de cine y la presión competitiva de la televisión había arrastrado a MGM a importantes dificultades financieras. En una apuesta por salvar al estudio, e inspirado por el éxito de la épica bíblica del filme Los diez mandamientos producido por Paramount Pictures en 1956, el jefe del estudio, Joseph Vogel, comunicó en 1957 que MGM volvería a retomar el proyecto de Ben-Hur. La filmación dio comienzo en mayo de 1958 y duró hasta enero de 1959, mientras que la posproducción se alargó otros seis meses. Aunque el presupuesto inicial era de siete millones de USD, en febrero de 1958 ya había ascendido a diez millones y para cuando el rodaje echó a andar ya había superado los quince millones, lo que la convirtió en la producción cinematográfica más cara rodada hasta entonces.

La preproducción comenzó en los estudios Cinecittà de Roma hacia octubre de 1957.El departamento de arte de MGM produjo más de 15 000 bocetos y dibujos de ropas, decorados y atrezo necesarios para la película (8000 de ellos tan solo para los vestidos). Fotocopiaron cada diseño y lo catalogaron para que lo usara el equipo de diseño de producción y los artesanos. Se construyeron en total más de un millón de elementos de atrezo. La construcción de miniaturas para la entrada de Quinto Arrio en Roma y para la batalla naval ya estaba en marcha a finales de noviembre de 1957. Los técnicos de localizaciones cinematográficas de MGM llegaron a Roma en agosto de 1957 para identificar posibles lugares de rodaje.

Se consideró seriamente rodar en alguna localización norteafricana, tanto que a 

mediados de enero de 1958 la productora afirmó que la filmación en Libia 

comenzaría el 1 de marzo de ese mismo año y que ya se habían conseguido 200 

camellos y 2500 caballos para su uso en la película.81 Entonces estaba 

programado que el rodaje se trasladara a Roma el 1 de abril, donde se había 

contratado a Andrew Marton como director de segunda unidad y se estaban 

entrenando setenta y dos caballos para la escena de la carrera de cuadrigas. Sin 

embargo, el gobierno libio canceló los permisos de filmación por razones 

religiosas el 11 de marzo de 1958, justo una semana antes del inicio del rodaje en

el país.   También por razones religiosas el gobierno de Israel prohibió el rodaje en el país cuando ya se habían filmado algunas tomas cerca de Jerusalén, metraje que no aparece en la película.

  

El rodaje principal dio comienzo en Roma el 18 de mayo de 1958, cuando el guion todavía no estaba terminado y el director William Wyler tan solo había leído las primeras diez páginas. Las jornadas de filmación duraban doce o catorce horas, seis días a la semana. Los domingos, Wyler se reunía con el guionista Fry y el productor Zimbalist. El ritmo de rodaje era tan agotador que un médico hubo de desplazarse hasta el set para inyectar un complejo de vitaminas B a todo el que lo pidiera (inyecciones de las que más tarde Wyler y su familia sospecharon que estaban contaminadas con anfetaminas).86 Para acelerar las cosas, a menudo Wyler mantenía a los actores principales a la espera completamente vestidos y maquillados de sus personajes para rodar rápidamente las escenas si la primera unidad se retrasaba.

Robert L. Surtees, que ya había trabajado en varias de las películas épicas más exitosas de la década de 1950, fue seleccionado como director de fotografía.   Al comienzo de la producción de Ben-Hur, Zimbalist y otros ejecutivos de MGM tomaron la decisión de rodar la película en un formato de pantalla ancha. A Wyler no le gustaba ese formato, sobre el que comentó: «Nada queda fuera de la imagen, y no puedes rellenarla. O tienes un montón de espacio vacío o, si tienes dos personajes hablando, detrás hay una bandada de personas que los rodean y que no tienen nada que ver con la escena».   Las cámaras eran muy grandes y pesadas y se tardaba mucho tiempo en moverlas.   Para superar estas dificultades, Surtees y Wyler colaboraron en el uso de las lentes de pantalla ancha, de la película de cine y de las tecnologías de proyección para crear imágenes altamente detalladas para el filme.   Wyler era célebre por la composición en profundidad, una técnica visual en la que la gente, los decorados y la arquitectura no solo están compuestos horizontalmente, sino también en profundidad de campo. También eran de su gusto las tomas largas, durante las cuales los actores se podían mover dentro de ese espacio tan detallado.

La película se filmó con un proceso conocido como «MGM Camera 65», usado por primera vez en la película El árbol de la vida, estrenada por MGM en 1957. Esta cámara usaba una película de cine especial Eastmancolor de 65 mm con una relación de aspecto 2.76:1.71   La Mitchell Camera Company desarrolló y fabricó unas lentes de cámara anamórficas de 70 mm según las especificaciones enviadas por MGM.  La película se pudo adaptar a los requerimientos de cada sala de cine, por lo que no tuvieron que instalar los equipos especiales de proyección de 70 mm, que eran muy caros.  A Roma se enviaron seis de estas lentes de 70 mm para usarse en el rodaje, a un precio de 100 000 dólares cada una.

IMAX

El deseo de aumentar el impacto visual de una película tiene una larga historia. En 1929, Fox introdujo Fox Grandeur, el cual fue el primer formato de 70mm, pero rápidamente quedó en desuso.   En 1950, el potencial de la película de 35mm para proporcionar imágenes proyectadas más amplias fue explorado en los procesos del CinemaScope (1953) y VistaVision (1954), siguiendo a sistemas multi-proyectores como el Cinerama (1952). Aunque era un avance impresionante, instalar el Cinerama era una tarea difícil.

Durante la Expo 67 en Montreal se usaron diferentes multi-proyectores y sistemas multi-pantallas. Las dificultades técnicas con las que se encontraron dieron como resultado la unión de un grupo de aficionados al cine y empresarios en una compañía llamada "Multiscreen", que tenía como objetivo encontrar un enfoque más simple. Gracias a esta unión crearon un nuevo formato basado en un único y potente proyector. Quedó claro que una imagen en una pantalla de mayores dimensiones tenía más impacto que diferentes pantallas más pequeñas y que utilizar esta pantalla era un proyecto más viable. Por ello, Multiscreen cambió su nombre a IMAX.

Tiger Child fue la primera película de IMAX y fue expuesta en la Expo '70 en Japón.  La primera instalación de IMAX que era permanente fue construida en el Cinesphere Theatre en Toronto. La primera película reproducida en esta instalación fue North of Superior.

Durante la Expo '74 en Washington se instaló una pantalla IMAX que media 27m x 20m. Fue el primer teatro IMAX que no estaba asociado con ninguna marca de salas de cine. Unos cinco millones de visitantes vieron la pantalla, que cubría la mayor parte del campo de visión del espectador cuando la miraban directamente desde enfrente. Esto creaba una sensación de movimiento en la mayoría de los espectadores. Esta instalación fue demolida para crear un parking. Otro teatro IMAX 3D fue construido en Spokane, no demasiado lejos de donde estaba el original. Sin embargo, el tamaño de la pantalla era menos de la mitad.

La primera instalación permanente de IMAX fue en Balboa Park, en San Diego, en 1973. El primer teatro IMAX 3D fue construido en Vancouver y estuvo en usa hasta el 30 de septiembre de 2009.

En 2008, IMAX extendió su marca a teatros tradicionales con la introducción del IMAX Digital, un sistema más económico que usa dos proyectores 2K para proyectar en una pantalla 1,89:1. Esta opción más barata ayudó a IMAX a crecer de las 299 pantallas en 2007 en todo el mundo a más de 1000 pantallas al final de 2015. En junio de 2016 había 1.102 teatros IMAX localizado en 69 países diferentes.

La guerra de las Galaxias

En 1975 George Lucas constituyó la empresa de efectos especiales Industrial Light & Magic, tras la desaparición del departamento respectivo perteneciente a 20th Century Fox. A partir de esto, el proceso de realización de los efectos que acompañarían a Star Wars comenzó en un almacén de Van Nuys, California, con base en la técnica de «control

fotográfico del movimiento», con la que se crearía una ilusión óptica en cuanto al tamaño de algunos objetos, empleando cámaras pequeñas que se moverían lentamente. Las naves espaciales fueron construidas a partir de imágenes creadas por Joe Johnston, con aportaciones de Lucas e ilustraciones de McQuarrie. Apartándose de lo que él

consideró como la «tradicional galanura inherente a cualquier elemento de la ciencia-ficción», optó por utilizar el concepto de un «universo ya concebido previamente», donde todos los objetos (naves espaciales, edificios, etcétera) se vieran antiguos y sucios.            

Cuando el rodaje comenzó el 22 de marzo de 1976 en el desierto tunecino para las escenas correspondientes a Tatooine, el equipo de producción se enfrentó a varios problemas.  Entre estos destacan el que la agenda de trabajo en el lugar retrasara sus programaciones debido a que se formó una extraña tormenta, sumado al mal funcionamiento de la utilería y a algunas averías electrónicas. Parte de esto resulta descriptible en la anécdota del actor Anthony Daniels, intérprete de C-3PO en la película, quien resultó herido luego de que una de las piezas que conformaba a la pierna izquierda del robot se rompiera y atravesara el plástico que cubría su pie.  Una vez que las labores en Túnez finalizaron, el equipo se trasladó a los Estudios Elstree, cerca de Londres, tras considerar que «sería un mejor entorno para filmar». No obstante, volvieron a surgir otro tipo de problemas, entre los que se encontraba el poco interés en la cinta por parte del reparto principal.Debido a que muchos de ellos consideraban al proyecto como «un filme infantil», optaban por no tomarse el trabajo con la seriedad que requería, catalogándolo de «jocoso». Tiempo después, el actor Kenny Baker confesaría que, desde su criterio, la película estaba destinada a convertirse en un fracaso. Para Harrison Ford (con el personaje de Han Solo), Star Wars era «un proyecto raro», puesto que describía una historia donde había una princesa con moños en su cabello y «un gigante disfrazado de mono» (Chewbacca). Igualmente, consideraba que los diálogos eran complejos, algo que luego le comentaría a Lucas: «Tal vez puedas escribir todas estas tonterías, George, pero estoy seguro de que ni tú podrías pronunciarlas bien».

Por otra parte, Lucas tuvo desacuerdos con el director de fotografía Gilbert Taylor, a quien el productor Gary Kurtz catalogaba como integrante «riguroso» de la «vieja escuela».  Ante esto y con la experiencia en la realización de cine independiente, Lucas decidió crear la mayoría de las secuencias y elementos de la película por su cuenta propia. Las sugerencias del cineasta fueron rechazadas por un ofendido Taylor, quien sentía que Lucas lo humillaba al darle instrucciones específicas sobre cómo hacer las cosas. De igual manera, en varias ocasiones demostró su frustración por los vestuarios, parajes y algunos otros elementos, a los que no consideraba como parte de su «visión original» de Star Wars. Raramente conversaba con los actores, quienes sentían que él esperaba mucho más de ellos cuando su dirección era «mínima» —las principales interacciones entre Lucas y el reparto consistían en términos como «más rápido» y «más intenso» Ladd le ofreció parte del único apoyo que tenía de la productora, ante el acuerdo por escrutinio con los miembros de la junta directiva acerca del presupuesto creciente y del guion complejo. Tras dos semanas más de retraso, Ladd le dijo a Lucas que tendría que finalizar el rodaje dentro de una semana más o le cancelaría definitivamente el financiamiento, y por consiguiente el proyecto. De esta forma, el equipo realizador se dividió en tres unidades, dirigidas por Lucas, Kurtz y el supervisor Robert Watts, como estrategia para cumplir con el ultimátum de Fox.    

Durante la siguiente semana, el elenco trató de animar a Lucas (intentando hacerle reír, o mínimo sonreír), quien solía estar deprimido la mayor parte del tiempo. La realización de la película comenzaba a hacerse más exigente, lo cual le  ocasionó cuadros de hipertensión arterial y cansancio. La recomendación de los médicos consistió en reducir sus niveles de estrés.       

Sin embargo, la postproducción condujo a rangos similares, e incluso mayores, de estrés en su persona, ocasionados por la presión de los estudios Fox. A esto se sumaba que el actor Mark Hamill había resultado herido durante un accidente de tráfico, lastimándose el rostro y haciendo prácticamente nulas las posibilidades de volver a grabar, en los días siguientes, cualquier escena que pudiera requerirlo.

TIBURÓN

Prototipo de éxito cinematográfico veraniego,​ su estreno es recordado como un verdadero hito en la historia del cine. La película cuenta cómo un enorme tiburón blanco devorador de hombres ataca a los bañistas en las playas de Amity Island. Estos sucesos llevan al jefe de la policía local a enfrentarse con las autoridades, que no quieren espantar a los turistas de los que depende la economía de Amity, para emprender la caza del escualo junto a un biólogo marino y un cazatiburones profesional.

El propio Benchley elaboró los borradores iniciales del guion y el actor y guionista Carl Gottlieb lo reescribió durante el rodaje.

La productora Universal Pictures puso en marcha una enorme y efectiva campaña publicitaria para promocionar la película y la estrenó simultáneamente en más de 450 salas de cine de Norteamérica. Recibida en general con alabanzas de la crítica especializada, Tiburón fue galardonada con numerosos premios a su banda sonora y montaje, y se la incluye a menudo entre las mejores películas de la historia. Fue la producción más taquillera de la historia del cine hasta 1977, año en que se estrenó Star Wars. Ambos filmes fueron el punto de partida del sistema de negocio del Hollywood moderno, que gira en torno a películas de acción o aventura basadas en premisas sencillas, que se estrenan en verano rodeadas de grandes campañas publicitarias y en muchas salas de cine para intentar asegurar su éxito entre el público.​ A Tiburón siguieron tres secuelas, ninguna con participación de Spielberg o Benchley, y numerosos filmes que la imitaban.

El rodaje fue complicado y su presupuesto se disparó. David Brown dijo que el presupuesto «era de cuatro millones de dólares y la película terminó costando nueve millones».​ Solo los efectos especiales costaron tres millones debido a los problemas del equipo con los tiburones mecánicos,​ y no en vano los miembros más descontentos del equipo bautizaron el filme como «Flaws» «Defectos», por su similitud con «Jaws». Spielberg le atribuyó muchos de los problemas a su perfeccionismo y su inexperiencia.

Después de las exhibiciones de la película previas al estreno general se alteraron dos escenas. Debido a que los gritos de los espectadores habían impedido escuchar la frase «Necesitará un barco más grande» que pronuncia Scheider, se alargó la escena de su reacción de impresión tras la aparición del escualo y se elevó el volumen de la frase.​ Spielberg también decidió que quería «un grito más», y volvió a filmar la escena submarina en la que Hooper descubre al cadáver de Ben Gardner. Para ello tuvo que poner 3000 USD de su bolsillo porque la Universal se negó a pagar la nueva filmación. Esta escena submarina se filmó en la piscina de la editora Fields en Encino, California,​ usando un modelo de látex de la cabeza de Craig Kingsbury pegado a un maniquí que fue colocado en el casco del barco hundido.

Tiburón se estrenó el 20 de junio en cuatrocientas sesenta y cuatro salas en Norteamérica cuatrocientas nueve en los Estados Unidos y el resto en Canada. La conjunción de este patrón de amplísima distribución con la novedosa campaña de publicidad televisiva creó una forma de estreno cinematográfico nunca antes vista.

Sid Sheinberg, presidente de Universal, concluyó que los costes de la promoción comercial a nivel nacional se amortizarían con unos ingresos por copia más favorables que si la película se hubiera distribuido de forma más lenta y escalonada. En vista del éxito comercial de Tiburón, su estreno se expandió el 25 de julio a casi setecientos cines, y para el 15 de agosto a más de novecientos cincuenta.​ La distribución internacional siguió el mismo patrón, con intensivas campañas televisivas y estrenos masivos. A continuación se enlistan los estrenos de la película a nivel mundial.

BLOCKBUSTER 

Blockbuster es un término que se aplica a las películas, al teatro y a veces también a los videojuegos, que denota a ser popular o exitoso, normalmente con una producción que conlleva un gran presupuesto y que logran los mejores resultados en taquilla en un tiempo récord.

Blockbuster (en inglés, literalmente «que hace explotar el barril») era en un principio un término del argot teatral americano que calificaba una pieza que lograba un éxito importante. Un blockbuster sería pues una pieza que llevaría todos los otros teatros del vecindario a la quiebra. El término blockbuster ha sido sacado probablemente del vocabulario militar: blockbuster era el nombre de la bomba más poderosa utilizada

por los ejércitos británico y estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial. El término blockbuster es reutilizado en el cine para calificar las películas de alto presupuesto y de grandes ingresos, producciones excepcionales en el plano financiero, material y humano.

En los años 1950, el cine americano se vio envuelto en dificultades debido a que la televisión le gana terreno y la asistencia a las salas comenzaba a caer. Hollywood responde a este problema con espectáculos más increíbles, una estética más espectacular, utilizando las nuevas tecnologías de la época. Se reinventa el Technicolor (que nace en 1916), la estereofonía (a partir de 1958), los formatos gigantes Cinerama, la VistaVision, el Formato 70 mm, el SuperPanavision 70, el Dynarama, el Warnerscope o el Cinemascope. Estos nuevos formatos y procedimientos son fuertemente utilizados y desarrollados para hacer volver las multitudes en las salas. Ahora son pantallas anchas con efectos especiales, todo tipo de innovaciones técnicas que sirven a hacer vivir «psíquicamente» al espectador lo que pasa en la pantalla. Este modo de operar es muy eficaz. Las operaciones de marketing son cada vez mayores e inventivas. Esta penuria de espectadores da un empuje a la creatividad en el mundo del cine, sobre todo en cuanto a la comunicación en torno a las películas. Los carteles son más trabajados, se menciona en letras mayúsculas en qué formato se difunde. Esta rivalidad entre estudios de producción y televisión se ha perpetuado a lo largo de los años y la cultura del blockbuster ha desarrollado.

En el medio del cine, el término blockbuster se aplicaba en principio a películas con gran éxito en el box office (Quo vadis, Lo que el viento se llevó, Ben-Hur) y después se ha designado por extensión a una súper-producción de alto presupuesto que, por su distribución, sus efectos especiales o la campaña de publicidad que acompaña su estreno, atrae la atención de los medios de comunicación y del público, a pesar de que la película resulte ser un fracaso financiero .

               

La Paramount Pictures propone a todos los exhibidores de todas las redes la precompra de su película y exhibirla al mismo tiempo o antes del estreno en Estados Unidos, escalonando en tres tiempos en tres redes de salas de cine diferentes, desde las grandes ciudades en el medio rural. Aparte del interés financiero de la gestión (los productores sólo tienen que esperar a que la película se retire del cartel para recaudar los ingresos), esta manera de hacer tiene por consecuencia reducir la duración de vida de la película y la influencia de los críticos de cine.  

El primer blockbuster cinematográfico normalmente admitido como género cinematográfico es Jaws de Steven Spielberg: estrenada en 1975 con la Universal Pictures que invierte decenas de millones de dólares en la promoción de películas a través de spots televisados, por lo que lanza: «La era de las blockbusters» que inaugura la era del marketing y de los productos derivados con el lanzamiento de Star Wars: Episode IV - A New Hope en 1977.

Con el nombre del director o los actores presentes en el casting es suficiente a veces para calificar la película de blockbuster. Es una manera de indicar a qué escala se estima el coste del film.

En estos géneros de películas, la calidad del guion es relativamente poco elevada, de acuerdo con el principio del «text=high concept» inventado por el productor estadounidense Don Simpson, según el cual el éxito del blockbuster descansa sobre un pitch de una o dos frases o sobre una idea de base atractiva, pasando incluso por encima del guion o la elección del director.  Son películas populares que atraen a las multitudes por su reparto o el formato de difusión.

Su dirección presenta riesgos superiores, teniendo en cuenta la debilidad del contenido: algunos grandes estudios ya han quebrado por el fracaso de un blockbuster, otros se han salvado. Uno de los ejemplos de ello es la realización de Un americano en París por la MGM. La escena final costó un millón de dólares, una fortuna en la época, pero la película salvó el estudio de la quiebra. Por el contrario, el fracaso en el box-office de la película La isla de las cabezas cortadas supuso la quiebra del estudio Carolco Pictures. Los estudios de Hollywood produzcan la mayor parte de los blockbusters.

En este sentido, George Lucas y Steven Spielberg han predicho que el crash de varios de estos blockbusters a continuación provocará la caída de Hollywood, abriendo una era cinematográfica diferente: salas de cine menos numerosas, más grandes, entradas más caras (como un concierto o un espectáculo de Broadway) junto a un futuro más abierto a los VOD. 

En el cine, se llama blockbuster a la producción hecha para llevar a las salas a medio planeta. Se le puede llamar también cine pop corn (de palomitas) pero quizá este concepto abarque películas comerciales que no tengan un gran soporte presupuestario ni que se gasten millones en publicidad. Por eso el blockbuster suele ser una superproducción con alguna estrella en su reparto o grandes efectos especiales. También se aprovechará para sacar una fortuna con el merchandising, sacando todo tipo de productos para amasar una fortuna.

NUEVAS MANERAS DE CONSUMIR - NUEVAS MANERAS DE PRODUCIR

A medida que las tecnologías han avanzado, hemos comenzado a consumir el material audiovisual de distintas maneras. Por un lado, desde que internet ha llegado a todos los hogares y con una velocidad alta, podemos ver contenidos hasta en Ultra HD y 4K cómodamente en el sofa de nuestra casa empleando o bien las Smart TV o mediante Netflix, HBO... 

Por otra parte, el cine se ha convertido en un objeto de consumo, en el que pocas películas al año y pocos directos se dedican a realizar un contenido realmente pensado para contar con una narrativa de calidad, con una buena relación y una gran dirección de fotografía y si para atraer a la gran masa, el merchandising y la posibilidad de realizar secuelas que permitan seguir generando beneficios con la misma historia/libro que ya han comprado.

De este modo, trataremos de explicar de manera breve alguna película que haya sido un hito reciente, analizando su dirección de fotografía y producción, y alguna serie que haya sido producida en este caso por Netflix o HBO ya que tienen los estándares mas altos.

DUNKERQUE - NOLAN

El rodaje principal comenzó el 23 de mayo de 2016 en Dunkerque y prosiguió en las ciudades de Urk,30​31​ Swanage, Weymouth3 y en los estudios Point Vicente Interpretive Center en Rancho Palos Verdes en los meses siguientes. El rodaje en Dunkerque tuvo lugar en el mismo lugar de la evacuación. El estudio Falls Lake de Universal Studios en Los Angeles fue utilizado para filmar las escenas interiores de un barco en pleno hundimiento utilizando un tanque de agua con la asistencia de cerca de quince especialistas de cine. Seis mil extras fueron utilizados para el rodaje en Francia. Para evitar el uso de efectos especiales generados por computadora, utilería militar y otros vehículos blindados de cartón fueron utilizados para simular una armada más grande. Nolan consultó cintas mudas para investigar la generación de suspenso a partir de escenas con multitudes, esto en vista del escaso diálogo de la película. Hardy y Lowden estuvieron gran parte de su tiempo grabando desde una cabina de suspensión Cardán diseñada exclusivamente para sus escenas y tuvieron escaso contacto con el resto del elenco.

El 75% de la cinta fue grabada con una combinación de rollos IMAX de 65 mm y 65 mm de gran formato con equipo de Panavision System 65,5​4 el porcentaje más alto en cualquier otra película del director.4Lentes aportados por Panavision y IMAX fueron utilizados para las escenas nocturnas. De igual manera, se utilizaron cámaras de mano IMAX por primera vez, esto por recomendación de Steven Spielberg y Ron Howard para grabar en buques más cómodamente.

Neil Andrea, coordinador marino, localizó seis barcos en un periodo de cinco meses,4 los cuales Nolan acondicionó para la filmación.Uno de ellos fue el destructor francés Maillé-Brézé, el cual fue acondicionado para parecer como un destructor británico de 1940. Tres destructores de la Armada Real de los Países Bajos fueron utilizados para representar otros acorazados británicos: el Hr.Ms. Naaldwijk por el HMS Britomart, el Hr.Ms. Sittard por el HMS Havant y el MLV Castor por el HMS Basilisk (H11). El torpedero MTB 102, uno de los últimos botes en huir de Dunkerque en junio de 1940, también fue utilizado.Cerca de otros cincuenta botes fueron usados para la filmación, doce de ellos, pequeños botes utilizados por civiles durante la evacuación en 1940 y que fueron manejados por sus propietarios actuales. Un pequeño yate de trece metros de largo llamado Moonstone y construido en 1930, fue utilizado por seis semanas como uno de los escenarios centrales. El yate, con la capacidad de abarcar a apenas diez personas, llevó a casi sesenta en una de sus escenas más demandantes grabadas en el lago IJsselmeer.

Los aviones tuvieron que ser acondicionados con dos cabinas para permitir la grabación en vuelo. Para este propósito, un Yakovlev Yak-5230​52​ fue acondicionado para representar a un Supermarine Spitfire en donde un actor y su piloto serían situados. Dos Spitfire Mk.IAs, un Spitfire Mk.VB y un Hispano HA-1112 (adecuado para representar a un Messerschmitt Bf 109 también fueron usados para las secuencias de combate aéreas. Réplicas a gran escala controladas por control remoto del Heinkel He 111 y el Junker Ju 87 fueron utilizados para simular un impacto directo contra el canal inglés.41 Cámaras especiales IMAX con capacidad acuática fueron adheridas a los aparatos en la punta y en la cola,​ y réplicas a gran escala fueron sumergidas para las escenas de hundimiento.

TITANIC

Titanic es una película estadounidense dramática de catástrofe de 1997 dirigida y escrita por James Cameron y protagonizada por Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy Zane, Kathy Bates, Gloria Stuart y Bill Paxton. La trama, una epopeya romántica, relata la relación de Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater, dos jóvenes que se conocen y se enamoran a bordo del transatlántico RMS Titanic en su viaje inaugural desde Southampton, Inglaterra, a Nueva York, EE. UU., en abril de 1912. Pertenecientes a diferentes clases sociales, intentan salir adelante pese a las adversidades que los separarían de forma definitiva, entre ellas el prometido de Rose, Caledon «Cal» Hockley (un adinerado del cual ella no está enamorada, pero su madre la ha obligado a permanecer con él para garantizar un futuro económico próspero) y el hundimiento del lujoso barco tras chocar con un iceberg.

Si bien Jack y Rose son personajes ficticios, varios otros secundarios como Margaret Brown, Thomas Andrews ( y Edward John Smith son personas que realmente vivieron los acontecimientos históricos del 1912. También son reales las tomas del verdadero Titanic hundido en el fondo del océano Atlántico que figuran en las escenas iniciales, para las cuales se destinaron tres millones de dólares estadounidenses del presupuesto total de la producción.

Cameron estaba fascinado por el naufragio del Titanic y su interés en él aumentó al reunirse con Robert Ballard,​ quien descubrió los restos del barco en la década de 1980, durante la producción de The Abyss.

El cineasta buscó patrocinadores en Hollywood para llevar a cabo una expedición al sitio del naufragio, sin todavía tener la intención de hacer una película en torno a los sucesos.​ Tiempo después escribió un boceto para una cinta sobre el Titanic​ y se lo presentó a los ejecutivos de 20th Century Fox, quienes le dieron «luz verde» al proyecto, a pesar de que no estaban muy convencidos sobre el éxito que pudiera llegar a tener.​ 

Cameron no comenzó a escribir el guion sino hasta después de realizar las tomas del verdadero Titanic y de estudiar detenidamente a cada uno de los personajes y pasajes históricos del barco, ya que quería honrar a todos los que habían muerto en el naufragio.

Fox invirtió 57 millones de dólares estadounidenses​ en la adquisición de 161 874 m² de la costa sur de Playas de Rosarito, Baja California, en México, donde comenzó a construir el Fox Baja Studios diseñado especialmente para la filmación del proyecto en mayo de 1996.​ En ese estudio se edificó a escala completa el barco.​ El rodaje principal comenzó en septiembre de ese mismo año, duró 160 días y se concretó en marzo de 1997.​ A su vez, la composición de la banda sonora recayó en James Horner y contó con la participación de la cantante noruega Sissel.​ Al igual que la cinta, gozó de un éxito comercial y crítico; vendió más de treinta millones de copias,​ once millones de ellas en EE. UU., lo que le valió ser certificada por la RIAA.​ Un segundo álbum titulado Back to Titanic se distribuyó a partir del 25 de agosto de 1998, una semana antes del lanzamiento de la película en VHS.

Tras su estreno el 19 de diciembre de 1997 en los Estados Unidos, a pesar de que varios analistas y expertos de la industria vaticinaban un fracaso en taquillas ya que en su momento era considerada como «la producción más costosa del cine de todos los tiempos», la película se convirtió en un éxito tanto en el aspecto comercial como en cuanto a la evaluación de la crítica: obtuvo un 83% de aceptación en Rotten Tomatoes y un puntaje de 74 sobre 100 en el Metascore. 

La película se reestrenó en formato 3D el 4 de abril de 2012,​ seis días antes de la fecha en que el Titanic partió de Inglaterra en 1912 y un mes antes del centésimo aniversario de Paramount Pictures, la otra casa productora de la película.​ Junto con la recaudación del reestreno, la recaudación total de la película suma 2 185 372 302 USD.

https://www.youtube.com/watch?v=TuSxyDf6yco

https://www.youtube.com/watch?v=_JPBzubW8XQ

GLADIATOR

Una película épica del género péplum y acción de 2000 dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Ralf Möller, Oliver Reed, Djimon Hounsou, Derek Jacobi, John Shrapnel y Richard Harris. 

Crowe interpreta a Máximo Décimo Meridio, un leal general hispano del ejército de la Antigua Roma, que es traicionado por Cómodo, el ambicioso hijo del emperador, quien ha asesinado a su padre y se ha hecho con el trono. Forzado a convertirse en esclavo, Máximo triunfa como gladiador mientras anhela vengar la muerte de su familia y su emperador.

Estrenada el 5 de mayo de 2000, Gladiator fue un éxito tanto por la crítica como del público y contribuyó al breve resurgir del cine épico histórico. La película recibió numerosos premios y nominaciones, incluidos cinco Óscar en la 73º edición de la Academia estadounidense entre los que se destaca el de mejor película y mejor actor para Crowe.

Durante la preparación de la película, Scott empleó varios meses desarrollando los guiones gráficos de la trama.​ 

Los miembros del equipo pasaron seis semanas buscando localizaciones dentro de lo que fueron territorios del Imperio Romano, entre ellos Italia, Francia, el norte de África e Inglaterra.

Todo el atrezo, decorados e indumentaria de la película fueron elaborados por el equipo de la película porque hubiera sido muy caro comprarlos y por la escasez de los mismos.​

La empresa Armordillo Ltd. de Rod Vass creó 100 armaduras y 550 trajes de poliuretano, para cuya construcción desarrolló esta compañía el exclusivo sistema de poliuretano proyectado que se empleaba por vez primera en esta producción y que permitió crear 27 500 piezas de armadura en solo tres meses.​

La película se rodó en tres escenarios principales entre enero y mayo de 1999. 

La batalla inicial en el bosque de Germania se filmó durante tres semanas en el bosque Bourne, cerca de Farnham, en el condado inglés de Surrey.​ Cuando Ridley Scott tuvo noticia de que la Forestry Commission, el organismo encargado de gestionar los bosques británicos, tenía planes para talar el bosque, los convenció para que permitieran filmar la escena allí y quemar el bosque en el proceso.​

Scott y el director de fotografía John Mathieson utilizaron varias cámaras que filmaban a distintas velocidades de fotogramas, de manera similar a la técnica utilizada en las secuencias de batallas de la película Saving Private Ryan(1998).​ El equipo después se trasladó a Uarzazate, Marruecos, donde durante tres semanas filmaron al pie de la cordillera del Atlas las escenas de los esclavos, el viaje por el desierto y la escuela de gladiadores de Próximo.​

Para su grabación, se utilizaron hasta cuatro tipos de cámara, todas ellas creadas por Panavision y con lentes Primo. El modelo Panaflex Gold II tiene capacidad para que las imágenes captadas tengan un nivel de ruido muy reducido, mientras que la Panaflex Platinum tiene un visor de corrección del color.

Con una relación de aspecto de 2,35:1, la cinta tiene un formato de negativo de 35 mm.

Todo este proceso de construcción de la película se llevó a cabo en los laboratorios de Technicolor, en el distrito de Hollywood de Los Ángeles. La duración es de una hora y 35 minutos, pero varía dependiendo de los extras que incluyan algunas versiones, tales como comentarios del director.

https://www.youtube.com/watch?v=TuSxyDf6yco

STRANGER THINGS 

Stranger Things ha sido el Blockbuster de esta temporada de Netflix para el público más general. 

Para entender un poco el sistema de rodaje de las series, debemos comprender que están destinadas a una visualización en dispositivos móviles y streaming, por lo que las cámaras que se deben utilizar han de ser digitales, no como ocurría en el caso de la película anterior que se pudo grabar en 70mm y digital, puesto que al estar compuestas de varios capítulos sería complejo dipitalizar todas las bobinas.

Para esto Netflix, emite un listado de las cámaras que permite para que se rueden estas series, lo que limita de manera drastica las productoras que pueden acceder a ellas, porque son equipos realmente caros y técnicos. Entre ellos destacan dos equipos estrellas:

En este caso, Stranger Things ha sido grabada con RED. Todo esto viene dado a la capacidad de filmación en 8K de estas cámaras para poder desdoblarlo a 4K e incluir efectos especiales, básicos en muchas de estas producciones.

A estas cámaras se añaden combinaciones de steadycam y/o dron, dolly, carros y grúas tanto automatizadas, como electrónicas. Todo esto, hace que las producciones ya no sean tan multitudinarias como antes, quitando excepciones como grandes producciones, pero que permiten que una serie de estas características se filme con un equipo mucho mas reducido y portátil. 

Introducing MōVI XL from Freefly on Vimeo.


CONCLUSIÓN

Como conclusión, no debemos olvidar que el cine es un producto de consumo además de un arte, que involucra a miles de personas y que lo primero que tiene que hacer es ser rentable. Por ello, debemos que asumir que a lo largo del tiempo, el principal motor para que avance el cine ha sido la evolución de los hábitos de consumo de las personas. Para ello ha tenido que adaptarse a la aparición de la televisión ofreciendo contenidos de mayor calidad, renovando sus métodos y la técnica para llegar a producciones legendarias.

Ha tenido el monopolio de este tipo de productos durante muchos años, llevando a millones de personas a sus salas a ver todo tipo de films desde clásicos a los últimos blockbusters. Hoy en día tiene que competir con la piratería en internet y con los canales de streaming que producen contenidos de manera más continua aunque con grandes presupuestos igualmente y tiene que tratar de diferenciarse mediante la vuelta a formatos como el 70mm que permitan a la gente disfrutar de una experiencia en sala que no es comparable a ningún 4k, eso si, siempre que la sala pueda proyectarlo, por lo que queda al alcance de pocos y en pocas ciudades.

El cine debe dar un salto más allá para llevar a las personas de vuelta a la sala, con precios más competitivos y ofreciendo un nuevo standard de calidad tanto en los films como en la relación de aspecto y fotografía.


Historia de las cámaras de cine.



Alcázar y Guillermo.